Der Inhalt und Ablauf einer Animation sollte in jedem Fall im Voraus schriftlich festgehalten werden. Wie detailliert das geschieht, hängt von der Komplexität der Animation und der Größe der am Projekt beteiligten Arbeitsgruppe ab.

Auch wenn das Team nur aus ein oder zwei Personen besteht, ist ein Drehbuch sinnvoll. Durch die Schriftform ist der Gestalter gezwungen, vage Ideen auszuformulieren. Fällt dieser Zwang weg, passiert es leicht, dass eine Idee sich erst später im Animationsprozess als unausgegoren erweist, was wiederum die Überarbeitung bereits fertiger Teile oder des ganzen Projekts notwendig machen kann.

Die nächste Stufe der Planung ist die Festlegung des allgemeinen visuellen Stils, der Darsteller und der einzelnen Animationssequenzen. Darsteller können neben Figuren auch Zeichen und andere Objekte sein.

Das Storyboard bildet neben dem Drehbuch die Grundlage für die Kommunikation im Team und mit Auftraggebern. Es zeigt für jede Szene die geplanten Handlungsabläufe, Blickwinkel und Bildausschnitte. Kamerafahrten und Zooms werden als Pfeile in die jeweiligen Bilder eingetragen.

Soundeffekte können auch erst im Nachhinein produziert und der Animation beigefügt werden. Musik, die den Rhythmus vorgibt, oder Dialog wird dagegen vor der Animation aufgenommen.

Die Einzelbilder einer Bewegungssequenz für einen Animationsfilms werden meist nicht in chronologischer Reihenfolge erstellt. Zuerst werden Hauptbilder mit Extrempositionen fixiert, also Start- und Zielpunkte einer Bewegung, sowie der zeitliche Abstand zwischen den Extremen. Dann erst werden die Zwischenbilder erzeugt (Tweening). Diese Vorgehensweise wird Pose to Pose genannt. Hauptbilder, die Ausgang und Ziel des Tweenings bilden, werden als Keyframes bezeichnet.

Computeranimation entsteht fast ausschließlich in Pose-to-Pose-Manier.

Werden alle Einzelbilder einer Sequenz in chronologischer Reihenfolge hergestellt, spricht man von Straight Ahead Animation.

Stop Motion Puppenanimation muss straight ahead produziert werden, da jede Pose nach einer Aufnahme verändert wird und damit verloren geht – im Unterschied zu nichtlinearen Techniken, wie der Computeranimation aber auch der Zeichentricktechnik, wo jedes Einzelbild als separate Zeichnung angelegt wird.

Sich wiederholende Bewegungen, wie eine Raddrehung oder der Schritt einer gehenden Figur, werden in der Regel nur einmal gezeichnet und dann wiederholt abgespielt. Die Verwendung solcher Cycles (z.B. Walkcycles) kann viel Produktionszeit sparen. Bei billig produzierter TV-Massenware sind die wiederkehrenden Cycles oft sehr auffällig. Durch die separate, nichtzyklische Animation von Sekundärelementen (z.B. Kleidung, Staubwolken) kann ein Cycle kaschiert und die Animation insgesamt lebendiger gestaltet werden.

Ob die Scheinbewegung einer Animation fließend oder ruckartig erscheint, hängt nicht nur von Bildrate des laufenden Films ab, sondern auch die scheinbare Geschwindigkeit der animierten Objekte, also die Positionsänderung von Bild zu Bild.

Für langsame Bewegungen, sind 12 fps meist ausreichend. Deshalb werden Animationen sogar für Kinofilme über weite Strecken mit nur 12 Bildern pro Sekunde produziert werden. Ein Bild wird dann jeweils auf zwei aufeinander folgende Filmkader belichtet, wodurch der Film mit den genormten 24 fps abgespielt werden kann. Schnelle Bewegungen werden in der vollen Zeitauflösung von 24 fps produziert. Sogar 8 fps können ausreichen sein, vor allem wenn der allgemeine visuelle Stil des Films rau und sprunghaft ist.

Als Faustregel gilt, dass eine Form sich zwischen zwei aufeinanderfolgenden Bildern nur so weit bewegen soll, dass es noch eine deutliche Überschneidung zu sehen ist, wenn die Bilder überlagert gezeigt werden.

Wirklich überzeugend wirkt Animation erst, wenn Sie nicht nur Bewegung im Sinn von räumlicher Interpolation darstellt, sondern die bewegten Objekte real und belebt erscheinen lässt, also „animiert“ im wahrsten Sinn des Wortes.

Animation muss die Illusion von physikalischer Masse erzeugen, um zu überzeugen – was aber nicht bedeutet, dass Animation mit wissenschaftlicher Simulation gleichzusetzen ist.

Aus täglicher Beobachtung wissen wir, wie Körper sich bewegen. Dass Energie nötig ist, um sie in Bewegung zu setzen, und dass Energie nötig ist um Bewegung zu bremsen oder zu stoppen. Intuitiv können wir aus dem Bewegungsverhalten eines Körpers abschätzen, wie groß seine Masse ist, und wie viel Energie nötig ist, um seine Bewegung zu beschleunigen oder zu bremsen.

Der visuelle Eindruck von Masse kann durch die relative Größe eines Objekts im Vergleich zu anderen Objekten oder zum Bildschirm beeinflusst werden, oder durch Farbe und Helligkeit. In der Animation stehen aber bessere Mittel zur Verfügung: Timing und Spacing.

Durch die Beachtung einiger Grundprinzipien wird aus einer schwerelosen Fläche auf dem Bildschirm ein glaubwürdiges Objekt, das den Gesetzen seiner Welt gehorcht. Diese Gesetze sind jenen unserer Welt meist ähnlich.

Wird auch als „Ease In“ bzw. „Ease Out“ bezeichnet.

Bewegung beginnt nicht plötzlich und endet nicht plötzlich. Egal wie groß die Kraft ist, die einen Körper in Bewegung versetzt oder stoppt, es gibt zumindest eine kurze Phase der Beschleunigung bzw. Abbremsung.

Wie lang diese Phase dauert, hängt von der Größe der bewegten Masse und den auf die Masse wirkenden Kräfte ab.

Aktive Bewegung, also Bewegung, die nicht durch äußere Krafteinwirkung erzwungen ist, wird meist durch eine kurze Gegenbewegung eingeleitet. Diese kann so deutlich wie das Ausholen mit einem Schläger sein, oder nur aus einer winzigen Gewichtsverlagerung bestehen.

Durch Gegenbewegung wird der Körper oder ein Körperteil wie eine Uhrfeder „aufgezogen“. Je größer die dadurch gespeicherte kinetische Energie ist, um so kraftvoller kann die resultierende Aktion ausfallen.

Die einleitende Gegenbewegung hat auch theatralische Bedeutung für die Animation, da sie die Zuschauer auf die folgende Aktion vorbereitet.

In der realen Welt bewegen sich Objekte selten entlang einer Geraden. Gelenke, Luftwiderstand oder Gravitation lenken sie auf gekrümmte Bahnen.

Nicht alle Teile eines Körpers beschleunigen und bremsen gleichmäßig. Arme, Haare, Kleidung, Antennen oder größere Fettmassen folgen der Bewegung eines Körpers mit Verzögerung.

Wirkt eine Kraft auf einen Körper, so wird dieser nicht nur beschleunigt oder gebremst, sondern auch verformt. Wie stark diese Verformung ausfällt, hängt von der Elastizität des Körpers, seiner Masse und damit seiner Trägheit ab, und von der Stärke der einwirkenden Kraft. Wichtig dabei: das Gesamtvolumen ändert sich kaum.

Während Formveränderungen in der Realität meist kaum sichtbar sind, werden sie in der Animation oft stark übertrieben dargestellt.

Die Bewegungsabläufe des Kickers und die Fluggeschwindigkeit des Balles sind gleich geblieben. Nur durch Squash and Stretch wurde der Szene zusätzliche Dynamik verliehen.

Richard Williams: The Animators Survival Kit – A Manual of methods, Principles and Formulas. Faber and Faber, London, 2001

Frank Thomas, Ollie Johnston: The Illusion of Life – Disney Animation. Hyperion, New York, 1981